|
تمر صناعة السينما بحالة حداد، سببها فوضى خلقها صراع بين ماضي السينما
وحاضرها. بين تقاليدها العريقة والتقنيات الحديثة. يبدو الأمر كصراع بين
أجيال، تحن السينما إلى ماضيها لكنها لا تستطيع تجاهل حاضرها. أندرو غيلبرت
الكاتب في موقع سينسيز أوف سينما الإلكتروني Senses of Cinema
كتب مقالة مطولة تحت عنوان «موت الأفلام»
The death of film
تحدث فيها عن الهبوط والانحدار الذي
يعيشه الفيلم السينمائي حالياً، وعن الصراع بين ماضي السينما وحاضرها
المليء بالتقنيات الحديثة، المذهلة والرخيصة في آن واحد. ناقش أيهما
سينتصر؟ ومن المفترض أن يسود؟. نورد هنا ترجمة لمقالة غيلبرت.
الفيلم، أو شريط «السيلولايد» السينمائي الفعلي، بدأ في انحدار حاد منذ
سنوات عديدة حتى الآن. بلغت ذروة هذا الانحدار مع إفلاس سركة إيستمان كوداك
Eastman Kodak
في مطلع العام 2012. ثلاث من أكبر العلامات التجارية لكاميرات الأفلام وهي:
«آتون»
Aaton،
و»آري»
Arri،
وشركة بانافيجن
Panavision،
توقفت عن إنتاج كاميرات السيلولايد السينمائية خلال العام الماضي لصالح
نظيراتها الرقمية. وفقاً لنائب الرئيس بشركة «آري» للكاميرات، بيل راسل،
فقد «انتهى الطلب على هذه الكاميرات على نطاق عالمي».
لا ينبغي مناقشة هذا التحول، بل رثاؤه، فالظروف الاقتصادية الصعبة والقدرة
على تحمل تكاليف الأجهزة الرقمية، نجحا في تهميش استخدام كاميرات
السيلولايد في الأفلام المستقلة وحتى الكبرى. ومع ذلك، فليس هدفي هنا رثاء
الوضع أو حتى إجراء قراءة دقيقة لما يتم تداوله حول هذه المسألة، وإنما أود
فقط أن أشير إلى وجود اتجاه في هوليوود يحاول أن يقترح حلولاً للأزمة
الناشئة من هذا التطور.
التحولات الكبرى في تقنيات السينما ليست غريبة على هوليوود، فهناك دخول
الصوت إلى السينما، ثم دخول الألوان، ثم الأبعاد البصرية المشوهة، وأخيراً
تقنية الثري دي، لدرجة يمكن القول بأن أفلام اليوم لا تمت بصلة للأفلام في
بدايات تاريخها.
عموماً، باستثناء الشكليين الذي يرون أن أفلام العشرينات هي أصدق شكلاً من
أشكال الفن، فقد تم قبول هذه التغييرات على نطاق واسع، وهي تغيرات إذا تم
إتقانها تصبح من الجماليات المهمة في الأفلام الحديثة.
مع ذلك، ففيما يتعلق بجميع التحولات التي مرت بها صناعة الأفلام على مدار
تاريخها، والتي يعتبر قليل منها شخصياً وخاصة بالنسبة لصناع الأفلام، ومع
تطور الأفلام من شريط السيلولايد السينمائي إلى الصيغة الرقمية، ينظر كثير
من المخرجين الشباب للأمر على أنه طقس عبور عادي في مجال صناعة الأفلام،
فهم معتادون على التحولات الكثيرة في هذا المجال، بدءاً من أفلام الأسود
والأبيض، إلى الأفلام الملونة، وأخيراً لدخول الصوت.
لكننا جميعاً شعرنا بملمس الشريط السينمائي على أطراف أصابعنا، وسمعنا نقر
الكاميرا، وشعرنا باهتزازاتها التي كانت تعني أنك تصور فيلماً، وتسجل الظل
والضوء لغرض فريد. وعندما يتغير هذا الأمر، عند ما لا تعود الأفلام تستخدم،
وتختفي طقوس تصويرها والأماكن التي تمنح من أجل ذلك، فإن هذا الأمر يجرحنا
بشدة. من ناحية أخرى، فإن التغيير أمر جيد؛ الأفلام الرقمية أرخص وأسرع،
وقد يتسلل الفن بزخم أكبر عندما لا يحتاج الفيلم لتلبية أدنى القواسم
المشتركة ليضمن استرجاعه لما أنفقه.
ما الذي تبقى من السينما المبكرة إن لم يوجد شريط السيلولايد السينمائي
نفسه، ولعبه على الظل والضوء من خلال تعريضهما للتفاعلات الكيميائية؟ في
الواقع هناك أزمة يعيشها مجتمع الأفلام الذي يتمسك بهذه المثل التقليدية في
الوقت الذي يتبنى فيه أحدث التقنيات وأرخصها. ومع ذلك، يمكنك أن تدرك أن
الفيلم يتغير وأن العام 2011 حمل الكثير فيما يتعلق بهذا الأمر.
رالف وينتر، منتج أفلام «إكس مان»
X-Men
، علق على ترشيحات الأوسكار لعام 2012 وعلى الرمال المتحركة أسفل هذه
الصناعة، بقوله «بعض كبار المرشحين يعكسون حنيناً لفترة الأفلام الصامتة،
ولعصر صناعة الأفلام في العشرينات والثلاثينات. أعتقد أنهم يبحثون أيضاً عن
إشارات للكيفية التي يمكن بها أن نمضي قدماً، لإعادة تقويم إذا صح التعبير،
لمستقبل رواية القصص في مشهد ثقافي سريع التغيرات».
تتناول هذه المقالة بشكل خاص عدداً من الأفلام التي ناقشت مفهوم التحول،
وهي فيلم هوغو
Hugo (لمارتن
سكورسيزي)، وفيلم الفنان
The Artist (لمايكل
هازانفيسيوس)، وفيلم حصان الحرب
War Horse (لستيفن
سبيلبرغ)، وفيلم منتصف الليل في باريس
Midnight in Paris (لوودي
ألن)، وفيلم الأحفاد The Descendants (لألكسندر
بايني)، وفيلم شجرة الحياة
The Tree of Life (لتيرنس ماليك)، وحتى فيلم
Moneyball (لبينيت
ميلر)، وذلك لتسليط الضوء على ردود أفعال هوليوود على هوليوود، وهي وإن
كانت مختلفة في نتائجها، إلا أنها ممتعة في أسلوب مناقشتها.
جميع هذه الأفلام تتناول الصراع الدائر حول التوفيق بين الماضي والحاضر،
وتقدم الحلول الخاصة بها وقراراتها التي وإن لم تكن دائماً عملية إلا أنها
ترضينا عاطفياً. في كل من هذه الأفلام نجد ألم الحنين إلى الماضي، ومشكلة
الانتقال والتحول، وقوة الماضي والحاجة إليه.
إن إلقاء نظرة سريعة على حبكات قصص هذه الأفلام وبعض أبرز اللحظات فيها،
يوضح المعضلة التي تعاني منها هوليوود الحديثة. ثلاثة من هذه الأفلام، وهي
«هوغو»، و»الفنان» و»منتصف الليل في باريس»، تحمل مرجعية ذاتية بشكل صارخ.
الشخصية التي يحمل عنوان الفيلم اسمها في فيلم «هوغو» هي جورج ماليس، وفي
«منتصف الليل في باريس» نلتقي شخصية أوين ويلسون «غيل» وهو كاتب السيناريو
السوداوي الذي يعمل في هوليوود، وفي «الفنان» نلتقي جورج فالنتاين (جان
جوردين) وهو نجم هوليوودي يحاول أن يجد له مكاناً في عالم هوليوود
«الناطق». هذا النوع «الفوق خيالي» من الأفلام هو دائماً علامة على أن
الفيلم يتحدث عن عالم الأفلام. السينما تصرخ بأعلى صوتها هنا لكي يسمعها
أحد.
فيلم «الأحفاد»
The Descendants
لألكسندر بايني، ودون أن يتخلى عن نقاط
حاسمة في حبكته، مؤطر بخيار عائلة للتمسك بماضيها على المتمثل في عدة أمور
أحدها زوجة تحتضر اليزابيث (باتريشيا هاستي). من الواضح أن هناك حنين إلى
الماضي (أمر لا يمكن الحصول عليه مرة أخرى) ورغبة في المضي قدماً، أو على
أقل تقدير، يظهر الفيلم أن المرء يمكن له أن يمضي قدماً (سواء رغب في ذلك
أم لا).
العديد من الأفلام تتناول هذا الحنين، وهو مصطلح مكون من كلمتين يونانيتين،
نوستوس
nostos
والغوس
algos،
وتعنيان «العودة للوطن» و «الألم». ترجمة أخرى قد تكون «رغبة مؤلمة للعودة
إلى الديار». تيرانس ماليك في «شجرة الحياة»، الذي يناقش في الفيلم بأكمله
تقريباً ذاكرة الحنين وقد صور فيلمه بأسلوب يخيم عليه الإحساس بالماضي.
الشخصية الرئيسية في الفيلم، وهو الراوي أحياناً، يتذكر بألم وولع طفولته
التي كانت مبتهجة بأبسط لحظات الحياة، وهي لحظات لا تزال مختزنة بصرياً في
ذهنه. هذا الاسترجاع البصري للماضي يشبه حال الأفلام السينمائية. هل سيضيع
شريط السيلولايد السينمائي مع هذا النوع من الحنين؟ هل سيظل فيلم
السيلولايد هو الأكثر قرباً وألفة لكثير من المخرجين؟
وفيما وراء الحنين إلى الماضي، فإن فيلم سبيلبرغ «حصان الحرب» يبرز قدرة
المرء على العيش خلال فترات التحول. الحصان في هذا الفيلم وهو الممثل
لتقنية الحرب القديمة، نجى من الاضطرابات ودخول التقنيات الجديدة الناجمة
عن الابتكارات خلال فترة الحرب. هل تنتصر التقنية القديمة؟ هل ينجو الماضي؟
هل سنكون قادرين على التنقل عبر خنادق النزاعات الحديثة في الوقت الذي نبقى
فيه أوفياء لماضينا؟ يقترح سبيلبرغ أننا نستطيع ذلك. على الرغم من أن
المعركة، والصراع الاقتصادي، أو العلاقات العائلية تحاول أن تفصلنا عن
الماضي، إلا أنه خيارنا لنقرر مدى قوة روابطنا.
العديد من الأفلام الأخرى المرشحة لجائزة أفضل فيلم في عام 2012 تعالج
مشكلة التحول، وتذهب إلى أبعد من مجرد البقاء في هذه الفترة عرض فيلم
Moneyball
للمخرج بينيت ميلر، الذي يتحدث بأكمله عن التحول. في الفيلم هناك من يبحث
عن أمر جديد، أمر يسمح له بتحقيق أشياء عظيمة بميزانية صغيرة. ألا يبدو هذا
الأمر مألوفاً لصناع السينما المستقلة؟ هذا تحول مفاجئ، تحول (بحسب منطق
الفيلم) يتطلب رد فعل مباشر وفوري وإيمان من أجل تحقيقه.
إنها مقامرة. تحدث التحولات في هذا الفيلم بطريقة عنيفة. «هل تفضل الحصول
على طلقة واحدة في الرأس أو خمسة في الصدر لتنزف حتى الموت؟» هكذا يقول
«بيني» الذي يؤدي براد بيت دوره في الفيلم. إذا كان بالإمكان قراءة هذه
العبارة على إنها إسقاط، فهي أيضاً دعوة للقيام برد فعل سريع، وللتحول
والتطور بشكل سريع. حوارات الفيلم جميعها إسقاط على عالم السياسة أو
الأعمال، أو أي أمر آخر.
لا يدعو الفيلم فقط لأخذ رد فعل سريع ولكنه يدعو أيضاً لضرورة قيادة عملية
التغيير. يقول بن في الفيلم «ولكن إذا فزنا، اعتماداً على ميزانيتنا، ومع
هذا الفريق، فإننا سنقوم بتغيير قواعد اللعبة. وهذا ما أريده. أريد أن يكون
للأمر معنى».
فيلم «الفنان» لمايكل هازانفيسيوس يركز على عجز ممثل عن الانتقال إلى عالم
الصوت في الأفلام. قدم كفيلم صامت، ليعرض العالم قبل التحولات الكبرى التي
أدت لإدخال الصوت واللون على الأفلام. الفيلم يعكس الصراعات التي تواجه
صناع السينما اليوم في مواجهتهم لمثل هذه التغييرات. منطق الفيلم يحذر صناع
السينما في العصر الحديث من أن الكبرياء وعدم الرغبة في التغيير، يهدد
بتدميرنا. التحول في هذا الفيلم أمر لا مفر منه. التحق به أو اختف. كان
واضحاً أن الفيلم بدا المفضل بالنسبة للأكاديمية، إذ حصل على جائزة أفضل
إخراج، وأفضل ممثل في دور رئيسي، وأفضل فيلم للعام، وأفضل تصميم ملابس،
وأفضل موسيقى. ينبغي أيضاً أن يكون مفهوماً أن أفلام أخرى لامست ما تناوله
فيلم «الفنان» بشكل مبالغ، لكن في حين لمّحت الأفلام الأخرى إلى أفلام
الماضي، ونجوم وتقنيات الماضي، وإلى سبل قديمه في التعامل مع التحول
والانتقال، فإن فيلم «الفنان» قام بتفعيل الهلع لدينا وعرض هذا الوجه
للعالم دون قناع.
فيلم «منتصف الليل في باريس»، الفائز بأفضل نص أصلي، يروي قصة «جيل» الذي
جعل نفسه «مخترق هوليوود»، وهو يتوق للماضي ويسافر عبر الزمن في كل ليلة في
باريس. عند سفره، يلتقي بالكتاب والسرياليين والفنانين والموسيقيين في
باريس في العشرينات، ويصبح قادراً على التعامل مع الحاضر. ومع ذلك، يصور
الفيلم أيضاً خطر التفكير بأن الماضي أفضل من الحاضر بطريقة أو بأخرى فقط
لأنه ليس الحاضر. وبحسب ما يصل له مفهوم «جيل»، فهذا هو الحاضر. هو غير
مرضي قليلاً، فقط لأن الحياة غير مرضية».
«منتصف
الليل في باريس» يمثل الصراع الحقيقي الدائر اليوم في الفترة الانتقالية
الحالية، وضرورة التمسك بالماضي من أجل إعلام الحاضر، مع عدم الانغماس فيه
(أي عدم قدرة الماضي على اللحاق بركب التطور).
وفي حين يطرح فيلم ألن سؤالاً، فإن فيلم «هوغو» لسكورسيزي يشير نحو إجابة
ما. وكما تقول ماما جين (هيلين ماكروري) في الفيلم، جورج، لقد حاولت أن
تنسى الماضي لفترة طويلة، ولكن ذلك تسبب لك بالتعاسة. ربما حان الوقت لكي
تتذكر. فيلم «هوغو» فاز بجائزة أفضل مونتاج صوتي، وأفضل دوبلاج، وأفضل
تصوير سينمائي، وأفضل إخراج فني، وأفضل مؤثرات بصرية.لا يتذكر الفيلم
الماضي فقط، ولكنه يؤمن أيضاً بأنه من أجل المضي قدماً إلى الأمام بشكل
فعال، يجب على المرء أن يحتضن ماضيه ويتبناه.
القصة تتناول البحث عن الماضي في الوقت الذي يحتضن فيه المرء التقنيات
الجديدة (وفقاً للأكاديمية، أثبت هذا الاحتضان نجاحه). ومع استخدام تقنية
الثري دي الرائعة
Real 3D،
أصبح الفيلم نفسه نظرة إلى الماضي باستخدام أحدث المعدات، فن استحضار
الماضي ممزوجاً مع أحدث التقنيات. هذا هو الجواب الذي قدمه فيلم «هوغو»
للصراع الدائر حول التحول والانتقال، والنداء للنظر إلى الوراء لكي لا تخسر
شيئا، شيء يشبه الحلم، هو السحر نفسه.
صناعة السينما تمر بحالة حداد، تتساءل كيف يمكن لها أن تمضي قدماً. إنه
تحول مليء بالفوضى، وبالحنين، يتركز على القدرة على التكيف. ستظل السينما
تعيش الصراع بين ماضيها وضرورة تطورها صناعياً، ستسود التقنيات الأحدث
والأرخص. شهدنا العلامات، الأمر يبدو مثيراً لكن مؤسف. مع ذلك، تحذرنا
الأفلام، بـأن تقنيات الحاضر يجب ألا تنسي الماضي. بالنسبة لصناع السينما،
وللجمهور، فإن هذا وقت حساس يجب ألا يستخف به. |
